Tema 33. El Renacimiento. Estilos. Teoría musical. Organología.

✔️ El Renacimiento es una de las etapas más brillantes y destacadas de la humanidad.

✔️ El nombre lo puso Vassarí (s.XVI), que decía que la cultura y el arte renacieron después de una etapa de oscuridad.

✔️ Época de crisis, incremento demográfico, abundantes guerras, enfermedades (como la peste). También hubo avances científicos, artísticos.

✔️ 1453, caída de Constantinopla. Marca el inicio. 

✔️ Con la invención de la imprenta, se consigue mayor difusión y perpetuidad de las obras.

✔️ En Florencia, el Renacimiento empieza en 1400 (prerrenacimiento) gracias a las artes plásticas (Donatello, Brunelleschi y Masaccio = naturalismo / perspectiva).

✔️ En esta época, el hombre es la medida de todas las cosas (Humanismo = hombre -epicentro).

✔️ El arte se desarrollará por toda Europa, especialmente en Italia, donde se cultiva un estilo propio (en España está el estilo  isabelino; en Portugal, el manuelino).

✔️ EL Renacimiento pleno (mitad del s. XVI) lo encabezan: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael (artes); Palestrina, Guerrero y Morales (música), entre otros.

✔️ El centro de creación pasa de Florencia a Roma.

✔️ El Manierismo, último periodo (segunda mitad del XVI = transición hacia el Barroco). Significa "estilo" o "manera". Inicialmente, este término se usaba con connotaciones negativas para describir un arte que parecía artificial, alejado de lo natural (Renacimiento pleno). Es más elaborado y sofisticado.

✔️ El ideal de belleza es la cultura grecolatina.

✔️ La música se mantendrá al margen de este Renacimiento que revaloriza la Antigüedad y no desarrollará equivalencias hasta mediados del s. XVI.

✔️ El "paso del espíritu a la letra" – es decir, el momento en que las ideas sobre la música antigua empiezan a influir y transformar la práctica compositiva real.

✔️ Platón es el mentor.

✔️ Innovaciones musicales: pasiones (Gesualdo y Monteverdi) y valoración de los textos (nuevo espíritu renacentista).

✔️ Consideración social del músico:

• De iglesia: organista y, a veces, compositor.

• De corte: privilegiado, con buen salario.

✔️ Petrucci publica en Florencia la 1ª colección de música polifónica (1501).

✔️ La textura característica del s. XVI son 4 ó más voces (todas de igual importancia) y timbre homogéneo. Había alternancia entre contrapunto y homofonía.

✔️ Las melodías discurren con cierta independencia, hecho que explica la aparición de disonancias (cortas, con resolución por grado conjunto).

✔️ Las voces se suelen duplicar o doblar por instrumentos. La música instrumental seguirá ligada a la danza, aunque va teniendo valor por sí misma, lo que dará pie al género instrumental.

✔️ Melodías: largas y solemnes en la música religiosa y vivas y ligeras en la música profana.

✔️ Desaparecen los paralelismos de 4ªs y 5ªs.

✔️ Finales o cadencias claras y bien definidas. A ellas se llegan mediante unas fórmulas llamadas cláusulas, que avisaban de que se iba a llegar al final de la obra (cláusula de tenor, descendente; de soprano, ascendente).

✔️ El paso V-I es la norma y el bajo asume su rol de soporte cadencial.

✔️ Ritmo contrapuntístico y ritmo acórdico.

✔️ La música religiosa no es descriptiva, en contraposición a la profana, que sí lo es. (escenas pastorales, imitación a la naturaleza). Aquí aparece la Música reservata (estilo reservado para expertos; música muy sofisticada, con la que se expresa el texto con intensidad gracias a técnicas como el cromatismo).

✔️ Hay cierta supremacía de las formas profanas frente a las religiosas.

✔️ La chansón es la forma profana más interpretada en occidente. En cada región se le aplica su esencia, lo que dará lugar a los estilos nacionales.

✔️ Estructura habitual: solista con acompañamiento.

✔️ En Francia, aparecen compositores como Pierre de la Rue o Josquin des Préz, bajo la influencia de la cultura borgoñona. Predominaban canciones cortas, rápidas y rítmicas, tipo frottole y canti carnascialeschi (cantos carnavalescos) italianos, compuestos por Lorenzo de Medici.

✔️ En Italia, la fusión de lo popular con la técnica flamenca dará lugar a la frottola (término genérico). De la frottola surge el madrigal, con la intención de revalorizar la poesía italiana.

✔️ En Alemania, la polifonía se desarrollará más tarde que en otros países ya que en esta época se estaba desarrollando la música de los minnesinger y meistersinger. Hasta 1530 no se empezó a escuchar a los compositores franco-flamencos. Aquí coexisten 2 formas autóctonas: el lied (melodía importante en la voz superior y contrapunto tomado de Países Bajos) y el quodlibet (mezcla de melodías).

✔️ En España, prima el misticismo y la simplicidad con rasgos franco-flamencos. El género pofano por excelencia es el villancico (análogo de la frottola italiana). La melodía principal está en la voz superior. El autor más representativo es Juan del Enzina. Por el contrario, la polifonía sacra se caracteriza por la sobriedad y la cautela contrapuntística. 

✔️ En Inglaterra existe cierto aislamiento, ya que ningún músico neerlandés pisó tierras inglesas hasta 1510, por lo que el contrapunto se desarrolló muy lentamente. La mayor parte de la música inglesa que ha sobrevivido ha sido sacra. Su máximo representante fue John Taverner.

✔️ Es una época de rupturas y de reformas, como la reforma protestante y la contrarreforma cristiana.

✔️ El Concilio de Trento, dentro del marco de la contrareforma, (1545-1563) fija un nuevo estilo musical donde los textos sean inteligibles, para que se pueda entender el mensaje (casi se prohíbe la polifonía por esta razón). Además, alertaron de la intrusión de demasiados elementos de la música profana dentro de la liturgia. Esto promovió el salmo (monódico y polifónico) y la canción espiritual, además de otros generos como la Missa Brevis, Laudas o Madrigali Spirituali.

✔️ En el Concilio de Trento dictamina que: ut pasara a ser do; restricciones de instrumentos dentro de la iglesia; misas más cortas y con texto fácil de entender; música profana prohibida.

✔️ En los países católicos hay misas y motetes; en los protestantes corales, salmos y anthems.

✔️ La misa es la forma más importante dentro de la música religiosa (5 partes del propio y misas comunes, sin gloria, para cuaresma o adviento (antes de Navidad)). Es una forma de decir que falta algo (nacimiento y resurrección). Tipos de misa:

• solemnes

• sine nomine

• parodia o de paráfrasis

• comunes

• original

• de cantus firmus

• misa de tenor

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✔️ En Alemania, la polifonía se desarrollará más tardíamente que en otros países ya que en esta época se estaba desarrollando la música de los minnesinger y meistersinger. En 1530 se empezó a escuchar a los compositores franco-flamencos. Aquí coexisten 2 formas autóctonas: el lied (melodía importante en la voz superior y contrapunto tomado de Países Bajos) y el quodlibet (mezcla de melodías).

✔️ En España, prima el misticismo y la simplicidad con rasgos franco-flamencos. El género pofano por excelencia es el villancico (análogo de la frottola italiana). La melodía principal está en la voz superior. El autor más representativo es Juan del Enzina. Por el contrario, la polifonía sacra se caracteriza por la sobriedad y la cautela contrapuntística. 

✔️ En Inglaterra existe cierto aislamiento, ya que ningún músico neerlandés pisó tierras inglesas hasta 1510, por lo que el contrapunto se desarrolló muy lentamente. La mayor parte de la música inglesa que ha sobrevivido ha sido sacra. Su máximo representante fue John Taverner.

✔️ El manuscrito de Toledo (o de Madrid): fuente importante para el estudio de la Escuela de Notre Dame.

✔️ No incluye el Magnus Liber Organi, atribuido a Leonin.

✔️ Copiado para el culto de la Catedral de Toledo.

✔️ Contiene conductus, motetes y organa. Es la época en la que el conductus cede el paso al motete.

✔️ Tenor reducido a notas de pedal y gran desarrollo de la voz organal.

✔️ El códice de Las Huelgas es uno de los más representativos del Ars Antiqua, gracias a su notación.

✔️ Copiado en el s. XIV para el monasterio femenino cisterciense (monjas) de Las Huelgas (Burgos).

✔️ Tenía contactos con la corte y con la familia real.

✔️ Cantos austeros para ocasiones especiales.

✔️ Contiene conductus, motetes y organa.

✔️ Escasez de documentos conservados (anónimos).

✔️ Se conserva solo música religiosa.

✔️ Fuentes: el códice de Las Huelgas, el Llibre Vermell y las piezas publicadas por Gómez Mantuné.

✔️ Debe su nombre al color de la encuadernación.

✔️ Copiado en el siglo XIV para los peregrinos que iban a Monserrat.

✔️ Polifonía NO litúrgica (servía para entretener).

✔️ Incluye 10 piezas: cánones (o virgo splendens), 2 canciones polifónicas (María matrem virginem) y danzas cantadas (Ad mortem festinamus).

✔️ Entre sus obras destaca la Misa de Barcelona (consta de los 5 movimientos del ordinario de la misa)

✔️ Aparición de misas cíclicas.

✔️ La diversidad hace que la misa de Barcelona sea insólita e interesante.

✔️ Aún no se escriben ciclos completos, a excepción de la misa de Notre Dame de Machaut

✔️ Rondeau, ballade y virelai conservan su forma con estribillo.

✔️ Pierden su conexión con la danza y se vuelven más complejas.

✔️ El autor más importante de polifonía profana es Guillaume de Machaut.

✔️ El compositor más importante del Ars Nova Francés.

✔️ Tuvo educación religiosa.

✔️ Estuvo al servicio de varios reyes y cortes.

✔️ 23 motetes. Usa hoquetus e isorritmias.

✔️ Autor de la misa de Notre Dame, la obra más conocida del siglo XIV: musicalización a 4 voces del ordinario de la misa. En estilo motete (Kyrie, Sanctus, Agnus Dei, Ite missa est y el Gloria y el Credo estilo más silábico por su abundante texto.

✔️ Su importancia: vasta dimensión y textura a 4 voces (inusual).

✔️ Motivo recurrente: la (b), sib la sol fa (c) mi sol (n).

✔️ Se desconoce para qué acontecimiento se escribió.

✔️ Equivalente italiano al Ars Nova francés.

✔️ Canción profana para voces masculinas con acompañamiento instrumental.

✔️ Música ligada a la aristocracia y a las cortes.

✔️ Desarrollada en el centro y norte de Italia, sobre todo Florencia.

✔️ Francesco Landini, máximo exponente.

✔️ Influencia del conductus francés

✔️ Cantantes e instrumentistas que improvisaban.

✔️ 1ª generación de compositores: Jacopo da Bologna y Giovanni da Cascia.

✔️ Formas cultivadas: el madrigal, la cacia yu la ballata

• Madrigal: trata de idilios de pastores, del amor, la sátira. Es a 2 voces. Voz principal en la superior. Tenor de invención libre.

• Caccia: equivale a la chasse o chace francesa (canon parecido a una fuga). Trata de la caza y hay muchas interjecciones. 3 voces.

• Ballata: Influencia del Ars Nova. Coincide con la vuelta del papa de Avignon a Roma 1377 (gran Cisma). 2-3 voces que susituirá al madrigal y su forma es similar al del virelai francés.

✔️ En el Trecento italiano se desarrolla la notación mensural, similar a la francesa.

✔️ Refinamiento rítmico a finales del s. XIV.

✔️ Frecuentes cambios de medida (síncopas, tresillos, dosillos)

✔️ Manuscrito de Chantilly, fuente principal.

✔️ Recoge los estilos de la Francia Meridional y de España (Reino de Aragón).

✔️ Autores de este estilo son Johannes Ciconia y Matteo da Perugia.

✔️ Su antecedente: Música falsa (s.XIII). Eran alteraciones accidentales (sostenidos o bemoles) que no estaban escritas explícitamente en la partitura, pero que se interpretaban para evitar disonancias o suavizar la armonía.